MUAC - Anish Kapoor
Anish Kapoor es uno de los artistas contemporáneos más reconocidos e influyentes en el ámbito internacional al haber propuesto nuevas estrategias de producción que involucran al arte con las complejas relaciones entre la sensibilidad y el pensamiento, lo oriental y lo occidental, y no sólo porque una se encuentre supeditada a la otra, sino porque en el acto creativo logra establecer un equilibrio perfecto que deriva en la experiencia estética de su producción. Cada una de sus obras revela la paradoja de un espectro poético particular que es reconocible a la percepción del ser en tanto apela al mundo sensible por ciertos rasgos; mas éste no se encuentra determinado por una correspondencia con la realidad del objeto o el caso de la escultura propiamente, ya que su trabajo revela una destreza insólita de proporción, densidad, escala y equivalencia, que destaca la materia prima como la realidad misma de su obra.
Sin ánimo retrospectivo, la exposición Anish Kapoor. Arqueología : Biología despliega un recorrido por la obra de este artista a través de sus grandes instalaciones y esculturas realizadas entre 1980 y 2016. Su trabajo puede definirse como un acercamiento poético al riguroso estudio del espacio, la materia y la forma, donde lo real, lo simbólico y lo imaginario se combinan hasta encontrar una génesis originaria del objeto escultórico.
La exposición ha sido concebida por el Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC, como una institución de intersección y sinergia artística, académica y social que tiene su mayor potencial en provocar un aprendizaje significativo de lo que implica la estética como experiencia de conocimiento, donde la producción de Anish Kapoor se propone como el punto de partida para reflexionar sobre las posibilidades de lo que implica el acto creativo, donde la
materialidad expande los horizontes de la realidad y la representación de lo imposible aparece como verdad.
materialidad expande los horizontes de la realidad y la representación de lo imposible aparece como verdad.
En mi opinión esta es una de las mejores obras de este gran artista. pues sencillamente el color que tiene rojizo es a mi parecer hermoso. El como, conforme va rotando este tipo de martillo y va desplazando la cera a las extremidades dejando una sanja es fantástico.
JUMEX
PETER FISCHLI DAVID WEISS: CÓMO TRABAJAR MEJOR
La retrospectiva Peter Fischli David Weiss: Cómo trabajar mejor reúne más de doscientas esculturas, fotografías, videos e instalaciones para conformar un panorama completo de la obra de los artistas Peter Fischli y David Weiss. En lugar de seguir un orden cronológico, la exhibición agrupa selecciones de cada una de las principales series de los artistas con piezas realizadas en distintos momentos de su carrera, creando diálogos cruzados en su trayectoria colaborativa. Este orden refleja las interconexiones de su producción y resalta la coherencia y diversidad de su obra. De esta forma, la exhibición se centra en la incisiva conversación que los artistas sostuvieron durante los treinta y tres años de colaboración conjunta.
Entre 1979 y 2012, los artistas suizos Peter Fischli (n. 1952) y David Weiss (1946–2012) crearon en conjunto una serie de trabajos que aportan una reflexión engañosamente casual sobre nuestra percepción de la vida cotidiana. Mediante el ingenioso “uso indebido” de los géneros culturales, desde el cine Hollywoodense de bajo presupuesto hasta las vistas fotográficas de postal, pasando por la noción tradicional del readymade,Fischli y Weiss transformaron lo ordinario en extraordinario.
En lugar de dar prescripciones, Fischli y Weiss se plantearon preguntas grandes y pequeñas, jugando de vez en cuando a ser filósofos excéntricos. En parte por ser un equipo de dos, los artistas desafiaron la noción del dualismo, piedra angular del pensamiento occidental. De una forma u otra, todo lo que los artistas produjeron desentraña alegremente lo que llamaron “opuestos populares”: trabajo y ocio, ficción y realidad, kitsch y belleza, banal y sublime. Fischli y Weiss borraron estas falsas dicotomías con el convencimiento de que el desconcierto podría ser un estado deseable. Buscaron confundir nuestras jerarquías y valores al crear sistemas condenados al fracaso, y encontraron belleza en el colapso inminente.
En este museo encontramos obras de las cuales entendía como acción y consecuencia de las cosas. con ellas realizaban una serie acciones provocadas por la acción de un acontecimiento anterior.
Soumaya - Plaza CARSO
Ciudad de México. La exposición La puerta del infierno, inaugurada el viernes en el Museo Soumaya Plaza Carso, permite adentrarse a las obsesiones de Auguste Rodin (1840-1917) por la naturaleza, la naturaleza humana, los desnudos y las mujeres, así como apreciar su incansable vocación de trabajo y su incesante sed de belleza.
Fue organizada por el recinto mexicano para celebrar la adquisición y la llegada definitiva al país de la imponente escultura epónima del artista francés, así como los 30 años de la Fundación Carlos Slim, de la que depende dicho espacio museístico.
Integrada por más de un centenar de obras, entre ellas 14 yesos inéditos que fueron restaurados para la ocasión por especialistas nacionales y franceses, se trata de la muestra con mayor cantidad de creaciones de Rodin exhibidas fuera de Francia, según Alfonso Miranda, director del Museo Soumaya.
También es la única en América Latina que exhibe uno de los ocho ejemplares que existen en el mundo de la escultura La puerta del infierno, la más ambiciosa y monumental realizada por Rodin, con más de 6 metros y medio de altura y casi cuatro metros de ancho, así como 6 mil 700 kilogramos de peso.
La exhibición marca el comienzo de un convenio de colaboración entre los museos Soumaya y el Rodin, de París, instancia esta última que prestó de manera temporal 50 piezas, además de participar en el proceso de investigación, curaduría y montaje.
Durante el acto inaugural, el empresario Carlos Slim, presidente de la fundación homónima, externó su entusiasmo por esta magna muestra del genio francés, así como por la adquisición de la mencionada escultura, cuyo costo no reveló, “por ser política del museo" no dar los precios de sus adquisiciones.
Según el coleccionista y filántropo mexicano, la importancia de La puerta del infierno trasciende su valor per se como una gran obra maestra, pues de su diseño se derivaron varias creaciones de Rodin, entre ellas algunas de las más importantes y conocidas, como El pensador y El beso.
La creación de esta pieza se remonta a 1880, cuando el Ministerio de Cultura francés encomendó a Rodin una puerta decorada para el museo de Artes Decorativas de París, donde se establece actualmente el Museo d’ Orsay.
El autor se inspiró en dos obras literarias: La Divina Comedia, de Dante Alighieri, y Las flores del mal, de Charles Baudelaire, así como en La Puerta del Paraíso, realizada por el italiano Roberto Ghiberti para el Baptisterio de Florencia.
La exposición, que permanecerá abierta al público hasta el 11 de septiembre, incluye diversos, bocetos, estudios y pruebas que el escultor hizo para su monumental escultura, entre ellos un yeso hasta hoy inédito de Dante vestido, que más tarde daría vida a El Pensador, además de algunas de las esculturas que se derivaron de ese magno proyecto.
Las puestas del infierno, En mi opinión las puertas en el infierno es una obra espectacular, la cual te ase sentir diversas sensaciones la apreciarla.
Entre las cosas que mas me sorprendieron de esta abro fue que no solo representaba almas de personas mayores sufriendo, si no también niños los cuales se encontraban atrapado el esta puertas .
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